Maria Pau Pigem, en una escena de 'Imatges gelades', de Kristian Smeds, en la Sala Beckett.

Dos obras de rabiosa contemporaneidad coinciden en la cartelera barcelonesa. Dos apuestas interesantes, incluso extremas en la exposición dramatúrgica pero que representan dos formas de exponer un teatro muy pegado al carácter y el espíritu de los ámbitos geográficos y culturales en el que se desenvuelven las historias. Ambas llevan el sello rápidamente identificable de sus autores: el irlandés Martin McDonagh (‘The lonesome west’, en el Versus Teatre) y el finlandés Kristian Smeds (‘Imatges gelades’, en la sala Beckett). 

        Una vez más son las salas alternativas las que nos sorprenden con estas aproximaciones a textos rebosantes de autenticidad. La fuerza de un realismo expuesto con un lenguaje tan crudo como ácido emerge en los dos montajes en un decidido intento de explicar la complejidad de las relaciones humanas en un contexto de soledad. Son dos frescos contundentes que dan la razón a Arthur Miller cuando afirma que “el teatro no puede desaparecer porque es el único arte donde la humanidad se enfrenta a si misma”. Y, ciertamente, en las dos producciones la confrontación entre personas próximas es un elemento narrativo de gran potencia dramática. 

        Martin McDonagh, nacido en Londres en 1970 pero de padres irlandeses, está considerado como el autor irlandés de mayor proyección de las últimas décadas. Desde que en 1996 escribió la aclamada ‘The beauty queen’ (‘La reina de la belleza de Leenane’), su influencia en el teatro contemporáneo no ha parado de crecer hasta llegar a convertirse en el dramaturgo anglosajón más representado en Norteamérica. Cuatro Tony, entre otros galardones, obtuvo con su obra de debut. Esta pieza, así como ‘The pillowman’ (‘L’home dels coixins’) han sido representadas con éxito en Barcelona y ahora acaba de instalarse en el Versus con ‘The lonesome west’, que cierra la denominada ‘Trilogía de Leenane’. 

        Pepa Fluvià, al frente de los actores de Ras Teatre, se ha enfrentado con solvencia a las dificultades que plantea la puesta en escena de este texto que va como anillo al dedo a la filosofía fundacional de un grupo que pretende agitar las emociones con un teatro vivo en toda la acepción de la palabra. Es todo un reto recrear la pasión y la violencia no exenta de crueldad de los personajes de ‘The lonesome…’ Condicionados por una herencia de la que no pueden librarse no consiguen controlar sus instintos, estimulados por la abundante ingesta alcohólica, al abordar sus relaciones con los demás. Los conflictos familiares, religiosos y psicológicos aparecen constantemente en un entorno gris y hostil y acaban pesando como una losa en la existencia de los personajes.

        La atmósfera de la sociedad rural irlandesa, expuesta en clave de comedia negra, aparece con fidelidad sobre el escenario. Los hermanos solteros Coleman (un Eduard Buch con mucho futuro) y Valene (Isidre Montserrat), que acaban de enterrar a su padre, mantienen una relación pasada por el tamiz de las acusaciones mútuas. El sacerdote Welsh (Sergio Alfonso) intenta restablecer la paz entre ellos con nulos resultados. Sus crisis de fe y su adicción a la bebida le ponen en una posición difícil, solamente edulcorada con la presencia de Girleen (emergente Aida Oset), una joven que oculta sus verdaderos sentimientos y trafica con el alcohol para alimentar sus sueños. Puro McDonagh resuelto con indudable eficacia gracias a la convicción y entrega de este bien dirigido cuarteto de intérpretes.

        De la Irlanda rural, de verdes colinas y poblada por gente visceral, saltamos a la Finlandia fría e introvertida de ‘Imatges gelades’ en la Sala Beckett. El dramaturgo y director Kristian Smeds, uno de los más emblemáticos autores nórdicos, galardonado en el 2011 con el Premio de Teatro Europeo para las Nuevas Realidades Teatrales, incide en el universo interno del hombre pero sin dejar de mostrar los aspectos más marginales de la sociedad. Alícia Gorina, gran conocedora de un país que vive de noche la mitad de año entre duras condiciones climatológicas y en el que uno de los problemas es también el alcoholismo, ha sabido extraer todo el aura de la obra del autor. Esta es la tercera pieza que dirige de un dramaturgo de aquel país, después de otras dos de Saara Turunen, su introductora en ese universo teatral.

Un momento del montaje 'The lonesone west', de Martin McDonagh, en el Versus Teatre.

        Gorina acierta de lleno en el planteamiento de este montaje, vestido con la imaginativa escenografía de Silvia Delagneau. El elemento predominante son esas pequeñas casitas cargadas de simbolismo donde se ocultan/hibernan los personajes que solo emergen para mostrar toda su fragilidad interior. Un buen reparto, con cinco intérpretes de la compañía Indi Gest sirve con eficacia y delicadeza las 10 fotografías de la vida de una familia que vive en el norte de Finlandia. Un aire melancólico arropa unas historias personales llenas de amargura, en las que el amor asoma como única esperanza pero también como posible destino trágico. 

        La galería de personajes se inicia con una corajuda madre soltera (impactante Maria Pau Pigem) a la que el odio nutre de fuerza vital. Hay una niña muda ahogada (Mireia Gubianas, recordada protagonista de ‘La gorda’ de Labute) que observa el agobiante entorno desde el fondo del río. No falta la figura de un padre ausente (convincente Pepo Blasco), la de una hija que pugna por deshacerse del poder absorbente de su madre (perfecta Anna Alarcón, la inolvidable intérprete de la reciente ‘Sé de un lugar’) y la de un pastor predicador (Sergi Misas) que mantiene un buen rollo con la fe a pesar de haber perdido la esperanza en el ser humano. Su divertido monólogo-sermón en un aparente descanso de la función, en el que invita a cerveza al público, sirve para relajar la tensión. 

        No se pierdan estos dos buenos espectáculos teatrales que ayudan a comprender la realidad expuesta sin tapujos de dos diferentes pero no tan alejados mundos.

Limpieza de las salas de la exposición

Jacint Todó se ha permitido el lujo de pintar Roma sin haber estado nunca en la ciudad. Benedetta Tagliabue se ha concedido el de  reunir una serie fotográfica de ruinas imperiales, bajándolas de sus sacros pedestales, hasta convertirlas en nubes o asteroides que vuelan en nuestro cielo o bancos donde el visitante puede sentarse. Caprichos romanos de dos artistas, que hasta el próximo junio exponen sus obras en la Academia española de Roma, en las laderas del Janículo, dirigida por Enric Panés.

Sin restarle nada a la fusión de lo plástico y lo arquitectónico que expresa la exposición, el resultado de amalgamar en un espacio único las obras de Tagliabue y Todó le evoca a uno el escándalo y la consiguiente revolución que supuso el arte barroco en sus comienzos. Antes de que la Contrarreforma católica se apoderase de aquella rebelión y la llenase de conceptos y significados externos, vaciándola de su contenido y transformándola en el pastel amanerado que generalmente se conoce como barroco.

La obra artística debe estar conectada, físicamente vinculada al contexto; por sí sola no tiene sentido, vinieron a decir Borromini, Bernini y los otros barrocos en sus comienzos. El estilo clásico estaba servido. Es lo que parece intentar, con buen resultado, la visión de Tagliabue sobre el Tempietto de Bramante descompuesto en conos, colgando por encima de las cabezas del visitante. O las pinturas de Todó, que osan retratar escenas romanas nunca vistas pero

Tagliabue y Todó en el Tempietto

extraordinariamente semejantes a los originales. Escenas situadas en paralelo con las descomposiciones artísticas de los mercados de Trajano o la fuente de Piazza Navona que hace Tagliabue. Fragmentos de ruinas mezcladas, además, con reproducciones fragmentadas de su biblioteca personal o de la verde terraza de su casa. Ambas situadas en el presente.

A pesar de las dificultades de entender, a veces, el arte contemporáneo, el “capricho romano” se ensambla bien con la crisis actual, por lo que expresa de fin de una época e incierto comienzo de otra. Parece constituir una invitación a no perder de vista el pasado y a revisitar las ruinas que quedaron atrás, para entroncarlas con un presente, en el que la fantasía e imaginación pueden ayudar a recabar una visión tal vez aún no serena, pero quizás más tranquilizadora sobre el presente. Caprichos  insertados dentro de la crisis y que al ser interpretados pueden constituir una brújula.

'Starborn', de Stan Lee, disponible en Panini Digits.

Tarde o temprano, todos dejaremos de leer en papel y lo haremos en una pantalla. Lo hemos escuchado muchas veces. Libros, periódicos, revistas, tebeos… todo dejará de ser de papel y tinta para pasar a ser de bytes. Nos aseguran que pasará. Y, como suele pasar, hay quien decide adelantarse a lo que va a venir. En el ámbito del cómic digital, las grandes editoriales norteamericanas se tiraron a la piscina hace muy poco: en agosto del año pasado DC empezaba a editar simultáneamente en papel y en la red, y Marvel se apuntaba al carro poco después. Pero en España, meses antes, nacía la primera plataforma de venta de cómics digitales: Koomic. En un país situado en las listas negras de piratería de todo el mundo, una empresa barcelonesa se atrevía a innovar en un mercado relativamente pequeño como el del cómic y en algo aún más pequeño como las viñetas en formato digital.

Un año después, siguen estando prácticamente solos vendiendo tebeos en digital y en castellano, pero la apuesta sigue en pie. Y va creciendo. Porque desde hoy mismo Panini, una de las editoriales de cómic más importantes de toda Europa, cuenta con una tienda online llamada Panini Digits. La web, las aplicaciones para iPad o iPhone y la tecnología que usa la nueva plataforma se han desarrollado desde Barcelona. A través de la misma tienda se podrán comprar los cómics que Panini edita en Italia, Francia, Alemania y, por supuesto, España. De momento está en formato digital solo una parte del catálogo de la editorial, pero ya hay obras de peso: Starborn y The Traveller, las últimas creaciones de Stan Lee, o Criminal, de Ed Brubaker y Sean Phillips. Pronto se podrá comprar también el cinematográfico Kick Ass de Mark Millar, Powers de Brian Michael Bendis y alguna de las series de manga que publica Panini. Todos los tebeos están disponibles tanto desde la web y las aplicaciones de Panini Digits como desde las de Koomic. El tebeo más caro no llega a los dos euros.

Lo primero que hay que ofrecer al lector para convencerle del salto a lo digital es variedad, intentar que pueda acceder fácilmente a cualquier tebeo que desee leer. Y en el mercado español siguen teniendo un peso indiscutible los cómics de superhéroes, por lo que es indispensable que este género esté presente en la oferta. Queda todavía pendiente saber qué quieren hacer en DC o en Marvel con las ediciones digitales de sus tebeos en idiomas distintos al inglés, pero que la editorial que edita en papel las historietas de Marvel para casi toda Europa se lance de forma decidida a apostar por el digital es un paso en el buen camino.

Escena de 'La flauta mágica' en la versión de Comediants representada en el Liceu el 21 de abril. ANTONI BOFILL.

La flauta mágica mozartiana ha vuelto al Liceu en su simpática y siempre eficaz versión de Comediants estrenada originalmente hace más de una década y lo ha hecho con un reparto en el que destaca Joan Martín-Royo en el papel de Papageno, el personaje en torno al cual gira el planteamiento de la ópera que hace Joan Font.

En esta ocasión los aficionados disponen de un excelente instrumento para profundizar en la gran riqueza musical y dramática que contiene la última ópera del compositor de Salzburgo. La programación de la ópera coincide con la publicación del libro Escoltar la Flauta Màgica de Mozart, del profesor de música Pere-Albert Balcells que acaba de publicar Duxelm.

Con este libro, Balcells suma ya cuatro guías para escuchar las óperas de Mozart, compositor del que el profesor es un gran devoto (suyo es Autoretrat de Mozart). La obra recién publicada se suma a las dedicadas a Don Giovanni, Così fan tutte y Le nozze di Figaro, también editadas por Duxelm.

Aunque solo fuera porque en este país no abunda la literatura musical, el trabajo de Balcells ya sería digno de todo respeto. Pero es que además el libro aúna rigor y amenidad convirtiéndolo así en una guía apta para todos los públicos, desde el buen conocedor de la ópera hasta el neófito.

La flauta mágica es una obra que permite muchas lecturas, desde la más infantil hasta la más profundamente filosófica con todo el simbolismo masónico del que está impregnada. Si las monografías anteriores de Balcells eran grandes compañeras para la audición y comprensión de cada una de las óperas, en el caso que nos ocupa lo es doblemente por tratarse de una ópera cargada de información que a veces necesita ser descodificada. 

Balcells presenta el libreto en una doble columna, en su versión original y al lado, en su traducción al catalán. Intercalados aparecen los comentarios, explicaciones e interpretaciones tanto musicales como del libreto.

Esta, como las anteriores monografías sobre las óperas de Mozart, contiene un pequeño vocabulario de términos musicales utilizados, así como unos datos históricos sobre los géneros operísticos de la época e información sobre la composición y el estreno de la ópera.

Publicadas estas cuatro monografías, es de esperar que Balcells no se detenga. Nos falta, como señalaba Carlos Calderón, también profesor de música y conferenciante, que nos guíe por las óperas menos populares del de Salzburgo, como pueden ser Mitridate re di Ponto, o Idomeneo.

Parada de la librería Documenta. ALBERT BERTRÁN.

Sant Jordi. Toca hablar de libros. Una pregunta recurrente en la recta final hacia la fiesta de hoy ha sido: ¿Cuál fue el libro que te enganchó a la lectura? Yo no tengo respuesta. Y no la tengo porque no fue uno en concreto. Lo que me enganchó fue el descubrimiento del placer de la lectura, un placer capaz de transportarme a un mundo que podía hacérmelo mío y solo mío. Y en este placer cabía de todo.

Los primeros libros que leí eran novelas de Josep Maria Folch i Torres, de la colección Biblioteca Patufet, que habían superado los vaivenes de la guerra civil encerradas en un viejo armario en el lavadero situado en un extremo del patio de casa.

Aquel cuarto que olía a moho, a lejía Conejo y a jabón Lagarto y en el que hacía un frío pelón en invierno fue mi primera sala de lectura, apoyada más que  sentada en una escalera de mano.

Allí leí El gegant dels aires, El cavaller del Nas Roent o Per les terres roges, entre otras. La lectura de Folch i Torres tuvo tres efectos importantísimos. Aprendí a leer en catalán, descubrí el poder fascinante de las aventuras y me vacunó contra la cursilería tan abundante en aquellas páginas.

Los primeros libros que me regalaron lo fueron con motivo de la primera comunión. Siendo niña, debía leer libros de niñas. Así devoré los libros de Ilde Gir, pero nunca renuncié a los libros considerados de chicos, los de aventuras. Así, alternaba libros de la colección Obras Juveniles, de Editorial Molino, con obras de la Colección Cadete, de Editorial Mateu.

Podía leer Mujercitas y otras estupendas novelas de Louise M. Alcott, como La biblioteca de Lulú, o Papaíto piernas largas, de Jean Webster, y después zambullirme en La isla del tesoro de Robert L. Stevenson, La isla misteriosa o el Viaje al centro de la tierra y demás novelas de Julio Verne; en Robinson Crusoe, de Daniel Defoe, o en las aventuras escritas por Mark Twain o H. Rider Haggard, sin olvidar El pequeño Lord, o los primeros dickens en versiones reducidas.

De todos los libros recibidos en mi infancia y adolescencia solo hay uno que nunca conseguí leer, aunque todavía lo conservo. Fue así por culpa de la portada. Se trata de El pastorcillo de Gredos, de C. Sainz-Amor, y lo que me echó para atrás fue la ilustración, firmada por L. Mallafré. En ella aparece un águila que se lleva volando a un corderillo ante la desesperación del pastor y la alarma del resto del rebaño y del perro.

Por lo visto, mi sensibilidad no sufría ante las escenas violentas de las aventuras y en cambio, sí lo hacia ante la imagen de un corderillo. Debo decir que aún hoy, caminando por la montaña, la visión de un águila cercana me produce un gran desasosiego.

Debo mi pasión libresca a los autores que escribieron aquellas obras, unas buenísimas, otras menos buenas y algunas malas, pero lo debo también a una familia en la que se consideraba que la lectura era un ejercicio casi tan importante como el comer o el dormir.

A diferencia de otras casas, en la mía nunca se oyó aquello de “después de comer, ni una sola línea leer”. En casa se podía leer a todas horas, siempre que no hubiera que estudiar o ayudar a poner la mesa. Y aún así, siempre había alguna escapatoria.

Espectadores en La Rambla, ante la pantalla que retransmitía el concierto 'L'ànima del Liceu', el 22 de abril. JOSEP GARCÍA.

Allí estaba. El alma del Liceu. Arriba y abajo del escenario y en la calle. Arriba, la orquesta y el coro. Abajo, el público que respondió a la llamada de los trabajadores que habían organizado el concierto L’ànima del Liceu. Y en la calle, entre los aficionados que siguieron el acto a través de una pantalla gigante instalada en La Rambla.

Con esta iniciativa preparada al margen de las actividades del teatro, el personal del Liceu quería agradecer el apoyo prestado durante la crisis y la amenaza, no ejecutada, de cierre temporal del teatro. También querían denunciar el “malentendido permanente que hay entre la cultura y la política” y reivindicar que otro Liceu, mejor, es posible.

Allí estaban los tres directores musicales que ha tenido el teatro desde su inauguración tras el incendio, Bertrand de Billy, Sebastián Weigle, y Michael Boder, y quien sustituirá a este último a partir de la próxima temporada, Josep Pons. Estas presencias eran una demostración no solo de apoyo al teatro. Lo eran también de crítica a la actual dirección general por como había gestionado el conflicto arriesgando el prestigio del Liceu.

Allí estaban Ainhoa Arteta y un Roberto Alagna que hizo una demostración de arrojo torero cantando la poco conocida y muy difícil aria Magische Töne de La Reina de Saba, de Kart Goldmark. También estaban Karine Deshayes y Ildikó Komlósi y Cristina Obregón y Linda Watson y Carlos Álvarez y Joan Pons que cantó aquello de L’onore! Ladri, del Falstaff de Verdi, el monólogo en que el viejo chulo y pendenciero se pregunta qué es el honor, “una palabra / ¿Qué hay en esta palabra? / Aire que vuela”.

También estaba, aunque fuera de programa el prodigio pianístico de nombre Lang Lang que, explicó, había acudido a la llamada de Josep Pons y ofreció una espectacular La Campanella de Franz Liszt con sus manos convertidas en una nube que se desplazaba por el teclado para saltar de octava en octava y tocar cada una de las notas de la partitura, y quizá alguna más.

Y también fuera de programa apareció el compositor y pianista Albert Guinovart para interpretar su tango Arrebato adaptado para piano y orquesta y hubo tanto entusiasmo en el escenario que aquello parecía la venezolana Orquesta Simón Bolívar y no la del Liceu.

…Y también estaban los responsables de haber llevado, directa o indirectamente, al teatro a la incierta situación actual que ha hecho necesario este concierto, como el director general Joan Francesc Marco; el conseller de Cultura, Ferran Mascarell, o su segundo en la conselleria, el ahora discutido Xavier Solà, lo que parece corroborar lo de que la piel de los políticos es distinta a la del resto de los mortales.

La calidad de las interpretaciones es siempre obligada. Sin embargo, en este caso no era lo principal. En un concierto de estas características, lo más importante era el acto de fe conjunto en el futuro del teatro, de un teatro mejor gestionado, con profesionalidad y transparencia.

Pero sí hubo momentos musicalmente muy buenos. Por ejemplo, cuando Weigle dirigió a la orquesta en el Preludio de Los maestros cantores de Nuremberg, de Wagner. O cuando Boder dirigió a orquesta y coro en el siempre espectacular Salve Regina del Mefistofele, de Arrigo Boito.

O cuando Pons dirigió la pieza que cerraba el programa, la danza final de El sombrero de tres picos, de Manuel de Falla, una pieza que se adaptaba poco al sentido del concierto, pero que en cambió gozó de una gran ejecución. O cuando, ya en la tanda de bises, Boder dirigió la obertura de la opereta Die Fledermaus, de Johann Strauss.

Al final hubo una mezcla de sorpresa y desconcierto. Los asistentes esperaban que la traca final con coro, orquesta y solistas fuera Va pensiero de la ópera Nabucco, de Verdi. Y no fue así. Cerró el célebre Hallelujah de El Mesías de Händel.

La intención de alegría y entusiasmo era comprensible y resultó contagiosa. Pero el mesías que debe dar un nuevo impulso al Liceu todavía no ha aparecido y las negociaciones entre empresa y trabajadores no despegan. Ahora bien, quedó claro que al teatro, alma no le falta. Y eso es mucho.

Una imagen de la exposición sobre la música del Tercer Reich, en La Pedrera, en el 2007. ELISENDA PONS.

Un sucedáneo, por definición, nunca es igual al original. Puede, en el mejor de los casos, reemplazarlo por tener propiedades parecidas. Si no hay otra opción, siempre es mejor que nada. Como es sabido, las representaciones del programa doble dedicado al compositor Alexander von Zemlinsky (1871-1942) formado por las óperas El enano y Una tragedia florentina han sido víctimas de la incauta dirección general del teatro.

Afortunadamente, los hay que no se resignan. Amics del Liceu y su Grup Wagner pertenecen a esta categoría. A falta del original han presentado un sucedáneo en forma de una excelente y muy ilustrativa sesión dedicada a la obra del compositor austriaco y al contexto histórico en el que se desarrolló.

El contexto no es otro que el del nazismo y de lo que aquella aberración histórica calificó de “entartete Musik”, de “música degenerada”, por oposición a lo que el régimen hitleriano consideraba el auténtico arte alemán, según explicó el cronista musical Xavier Cester.

Cartel de propaganda nazi contra la 'música degenerada'.

El concepto de “música degenerada”, concepto que incorpora una calificación moral, abarcaba todo arte creado por judíos (se llegó a prohibir la interpretación de las obras de Mendelsshon y se destruyó su estatua ante la sede de la Gewandhaus de Lepizig), por artistas sospechosos de simpatías comunistas, y por quienes incorporaban elementos externos a la tradición germánica como es el jazz, considerado “música de negros”.

La madre de Zemlinsky era una judía sefardí de Sarajevo. Por tanto, su música quedó prohibida. Lo mismo que la de Arnold Schönberg, Alban Berg, Franz Schreker, Gustav Mahler, Erich Wolfgang Korngold, Anton Webern, Paul Hindemith, Ernst Krenek, Hans Krása y muchos más.

Algunos murieron en campos de concentración y otros, como Zemlinsky, tuvieron que emprender el camino del exilio. Pero esta generación de músicos que bebían de las fuentes del posromanticismo, padecieron un doble exilio, como explicó Cester.

Al rechazo impuesto por el nazismo se sumó después de la segunda guerra mundial el rechazo implícito en la voluntad de hacer tabla rasa con el pasado. Así, la vanguardia de los años 50 iba por un camino muy distinto al que habían emprendido aquellos herederos de la tradición de Brahms, Wagner o Bruckner.

La recuperación de aquellos compositores ha sido tardía. En los años 90 Decca lanzó una colección dedicada a la “música degenerada”. El Festival de Salzburg, bajo la dirección de Peter Ruzicka, recuperó varias obras de aquella época a principios de este siglo. Lo mismo hizo en Barcelona la OBC dirigida por Lawrence Foster.

Ensayo de 'Die tote Stadt', en el Liceu, en el 2006. LAURA GUERRERO.

En el 2004, la Cité de la Musique de París organizó una gran exposición que tres años después, algo reducida, llegó a La Pedrera de Barcelona bajo el título La música y el III Reich. De Bayreuth a Terezin, de la que queda un excelente catálogo, y el Liceu presentó Die Tote Stadt, de Korngold en el 2006.

La sesión dedicada a Zemlinsky organizada por el Grup Wagner de Amics del Liceu el 16 de abril prosiguió con diversos extractos audiovisuales de Die Gezeichneten, de Schreker, de Der König Kandaules, de Zemlinsky, y muy en particular de su Der Zwerg, El enano, en una producción de la ópera de Los Angeles, del 2008. Esta ópera está basada en el cuento de Oscar Wilde El aniversario de la infanta.

Es una gran lástima haber perdido la posibilidad de apreciar en directo la suntuosidad y riqueza de aquella música y el tratamiento vocal de los personajes, en particular el del enano que da título a la obra, cargado de gran dramatismo.

Lo dicho, cuando no hay otra opción, siempre es mejor un sucedáneo que nada. Pero un sucedáneo, por bueno que sea, nunca debe ser consuelo para una ausencia.

Tamara Rojo, durante una actuación de 'Don Quijote' en La Habana, en el 2009. EFE / ALEJANDRO ERNESTO.

Sin una larga y enraizada tradición como en Francia, Rusia o incluso Dinamarca, en menos de un siglo el Reino Unido se ha situado en la primera división del ballet. Ahora, uno de sus buques insignia, el English National Ballet, tendrá por directora a Tamara Rojo, la bailarina que, al igual que otros tantos talentosos colegas suyos españoles, tuvo que salir de un país que no parece sentir necesidad ni tener consideración por el ballet clásico para triunfar en los grandes escenarios internacionales.

 La tradición de la danza clásica en el Reino Unido no llega a los cien años y en su origen, no siempre reconocido, están los célebres Ballets Rusos de Serguei Diaghilev. Enrico Cecchetti, que había sido bailarín del ballet imperial ruso y maestro entre muchos otros de la mítica Pavlova, se sumó a la compañía de Diaghilev como mimo y maestro de baile convirtiéndose en el eslabón entre la tradición más clásica y las formas modernas de la danza.

Con 60 años, en 1918, decidió que había llegado el momento de abandonar la itinerancia de aquella genial compañía y se estableció en Londres donde creó una escuela en la que impartía su método, el método Cecchetti, que aún hoy siguen utilizando muchas grandes compañías de todo el mundo.

Marie Rambert, una de las grandes damas del ballet británico, creadora de la compañía de danza contemporánea británica con mayor solera, la Rambert Dance Company, había sido una de las alumnas aventajadas de Cecchetti.

Un programa de la temporada 1980-81 del London Festival Ballet, antes de llamarse English National Ballet.

La influencia de los Ballets Rusos en la historia del ballet británico no acaba con el maestro de grandes figuras. Ninette de Valois, Alicia Markova y Anton Dolin fueron bailarines de la compañía de Diaghilev. Tras abandonarla, los tres impulsaron la creación de lo que hoy son The Royal Ballet (originalmente, Vic-Wells Ballet) y el English National Ballet (nació como London Festival Ballet) en 1931 y 1950 respectivamente.

Tamara Rojo, que ha bailado en ambas compañías, heredará ahora como directora de la segunda una historia no muy extensa en el tiempo, pero sí muy intensa artísticamente, una historia que ejemplifica la creación de una tradición antes inexistente y la inquebrantable voluntad de artistas y público para que esto sea posible.

En tiempos de recortes, la bailarina-directora no lo tendrá fácil, pero la historia del ballet británico es también la historia de cómo en tiempos más que difíciles pueden nacer proyectos hermosos capaces de durar en el tiempo.

Además de  a todos los artistas mencionados, el ballet británico le debe en buena parte su existencia a John Maynard Keynes, el famoso economista. Durante la segunda guerra mundial, como miembro del consejo de las artes del momento, el padre del keynesianismo consiguió fondos para que la actividad de la ópera y del ballet del Covent Garden no se detuviera y pudiera llegar a todo el país.

Y fue precisamente en la posguerra, fruto de aquella tenacidad en tiempos bélicos poco aptos para las artes, cuando la tradición balletística británica arraigó.

Un viajero del metro de Cambridge, Massachusetts, con su libro electrónico. REUTERS / BRIAN SNYDER.

Desde que las pasadas Navidades les pedí a los Reyes Magos un Kindle, y muy amablemente me lo trajeron, vivo en una situación de raro desconcierto. Y no por un asalto repentino de nostalgia por el libro en papel. Ni tampoco porque no me haya acostumbrado a leer en una pantallita o a seguir el avance de la lectura por porcentajes de volumen leído y no por número de páginas devoradas.

Todo lo contrario. Me he enamorado de mi e-book y ha sido un enamoramiento que ha ido creciendo ante la necesidad de reducir la biblioteca obligada por un traslado.

Lo que me desconcierta son las cosas que se van  publicando sobre el libro digital, o más concretamente, sobre los lectores/usuarios. Resulta que según datos recientes del informe Global eBook Monitor, pertenezco al reducido club de internautas españoles, el 13%, que ha pagado por descargarse contenidos. El resto, o no sabe que se pueden descargar libros o son partidarios del gratis total.

Un lector electrónico. JOSE LUIS ROCA.

Otros datos que confirman la pulsión gratuita, inexplicable para quien considera que todo trabajo debe ser remunerado, lo daba el barómetro de la Federación de Gremios de Editores de España cuando aseguraba que, el 63% de los lectores digitales, que son el 4,2% del total de la población, nunca paga por un e-book y dudo mucho que se trate de lectores de Lope de Vega, Miguel de Cervantes o Francisco de Quevedo cuyas maravillas literarias sí se pueden descargar gratuitamente por no existir derechos de autor sobre sus obras.

Otro dato que me descoloca es saber que los compradores de libros digitales son jóvenes entre los 18 y los 24 años. Y claro, resulta que yo podría ser su madre y, si me apuran, casi la abuela de los jovencísimos.

Pero la máxima turbación me vino al leer unas declaraciones de Jonathan Franzen. El escritor estadounidense decía que los libros electrónicos dañan a la sociedad porque corrompen sus valores.

Jonathan Franzen. LAIF-CORDON / EDITORIAL SALAMANDRA.

Esto son palabras mayores que a mi me pillaron leyendo causalmente su último éxito Freedom (Libertad) considerada por muchos (no por mí) como la gran novela americana.

¿Qué hacer? ¿Debía borrar la novela de mi lector, llevar el Kindle directamente al punto de reciclaje para su destrucción, denunciar a los Reyes Magos o al señor Amazon porque había vendido un producto que al parecer es muy pernicioso y puede dañar seriamente mi salud?

Pensándolo bien, decidí seguir leyendo la novela. Había pagado 5,17 euros por la versión original en inglés y es de suponer que de esta cantidad, a Franzen le corresponde una parte como derechos de autor. Porque no es creíble que el libro se esté vendiendo en su versión digital sin su consentimiento o sin ingresar lo que le corresponde por la venta.

Y además, ¿acaso soy distinta a un lector de libros de papel? De ser Franzen, yo estaría encantada de vender libros, en papel o en digital. Porque a fin de cuentas, es de suponer que el aclamado autor de Las correcciones y Libertad escribe para que le lean. ¿O no?

La sala del Gran Teatre del Liceu. JULIO CARBÓ.

La memoria liceísta andante que es el maestro apuntador Jaume Tribó recuerda que ayer, 4 de abril, el Liceu cumplía 165 años. Lamentablemente, ayer el Liceu estaba cerrado. Esta noche debía estrenarse el programa doble formado por las óperas de Alexander von Zemlinsky Una tragedia florentina y El enano, un programa que se ha caído del cartel por el despropósito de cerrar el teatro durante dos meses.

Aunque hubo marcha atrás en el cierre, no ha habido tiempo, según la versión oficial, para recuperar lo que habría sido la primera aproximación del teatro a la obra este compositor austriaco.

Desde su reconstrucción, el coliseo de La Rambla ha permitido conocer y profundizar en la obra de compositores capitales de la música del siglo XX. Ha sido así, por ejemplo, con Leos Janacek de quien se ha visto El caso Makropoulos, Jenufa, Katia Kabanova o La zorrita astuta, o con Erich Wolfgang Korngold de quien se representó La ciudad muerta (esta ópera estará en Bilbao del 21 al 30 de este mes).

'Jenufa', de Janacek, en el Liceu, en mayo del 2005. SERGIO LAINZ.

Benjamin Britten era otra asignatura pendiente y de él se han representado en estos años Peter Grimes, Billy Budd, Gloriana, El sueño de una noche de verano o Muerte en Venecia.

En la presente temporada hubo ocasión de conocer Le Grand Macabre, de György Ligeti, que por primera vez se representaba en España. El siguiente paso en el conocimiento de la ópera del siglo XX era el programa ahora anulado.

Zemlinsky, que fue maestro de Arnold Schönberg y de Korngold entre otros, contó en su juventud con el apoyo de Johannes Brahms y después de Gustav Mahler que dirigió su primera ópera Es war einmal…

Por sus orígenes judíos (su madre era una sefardí de Sarajevo) los nazis condenaron su música que pasó a formar parte de lo que aquel régimen calificó de música degenerada (entartete Kunst) y tuvo que exiliarse en 1938. El compositor falleció en EEUU, cuatro años después.

Alexander von Zemlinsky.

En los últimos años ha habido lo que se ha dado en llamar una renaissance Zemlinsky. La Ópera de Lyon representaba hace dos meses escasos Una tragedia florentina. El pasado año, la ópera de Múnich programaba El enano, y la de Viena, El rey Kandaules. Poco después de la reapertura del Teatro Colón de Buenos Aires, se representó La tragedia…

Los teatros de Bremen, Filadelfia, Los Angeles, Berlín o Frankfurt se han sumado al redescubrimiento de Zemlinsky. Incluso lo ha hecho la Maestranza de Sevilla, que en la temporada 2007-2008 representó las dos obras del programa doble anulado ahora en Barcelona.

En la próxima temporada solo está prevista una aproximación a una ópera desconocida para el público del Liceu, es Street Scene, de Kurt Weil. Se comprende que, dada la crisis general, el teatro rehúya el riesgo que suponen las incursiones en el aún muy desconocido panorama operístico del siglo XX. Pero sería de lamentar que una programación casi exclusivamente del repertorio más clásico se convierta en la norma para el futuro.

Ciertamente hay un sector del público que firmaría con una programación no muy distinta a la de hace 30 o 40 años, pero no hay que olvidar que el Liceu es un teatro público, y como tal, ni puede ni debe dirigirse solo a unos cuantos. Con más de siglo y medio de historia a sus espaldas, no se lo puede permitir.